Decía Buster Keaton que los dibujos animados acabaron con los cómicos del cine mudo como él. Y no le faltaba razón. Pocos, como Stan Laurel y Oliver Hardy (el Gordo y el Flaco), consiguieron hacer la transición al sonoro y sobrevivir a rivales tan formidables como el ratón Mickey. Pero los dibujos animados también vinieron a prolongar la popularidad de algunos grandes cómicos del cine, no tanto del mudo como del sonoro.
Que la animación haya esquivado a los cómicos sin palabras para preferir recrear a los parlantes tiene su lógica, pues la esencia de los dibujos era la misma que la de los cortos del cine mudo: el “slapstick” o la comedia física, caracterizada por acciones exageradas de violencia física que no derivan en consecuencias reales de dolor, como bofetadas, mamporros, tartazos o sartenazos. En la animación, al ser sus personajes claramente ficticios, por no estar interpretados por personas reales, el “slapstick” se puede acentuar mucho más, pues nadie dudará de que las víctimas saldrán ilesos. Por lo tanto, animar a Chaplin o a Keaton no tendría mucho sentido: mejor crear un personaje “ad hoc”.
Chaplin, Keaton y Lloyd
Sorprendentemente (o no tanto, por lo que acabo de decir), la primera serie de animación sobre Charles Chaplin (o, mejor dicho, sobre Charlot) data de 2011 y además no es una ficción de dibujos animados convencionales, sino en 3 D. Se trata de “Chaplin & Co”, una animación franco-india con 104 episodios de 7 minutos producida por la Method Animation, Mk2 y DQ Entertainment. Se estrenó en Francia, por el canal France, el 31 de diciembre de 2011 y más de 62 países compraron sus derechos de emisión. Sin diálogo ninguno, los episodios están basados en situaciones presentes en 70 películas de Charlot. El objetivo era que las nuevas generaciones conociesen las divertidas genialidades de este.
Respecto a Keaton y Lloyd, no conozco ninguna producción de dibujos animados sobre ellos, aunque en 2017 Cinesite Studios anunció su asociación con Harold Lloyd Estate y Aniventure Limited para adaptar sus películas en una serie de largometrajes animados, pero me temo que el proyecto no llegó a materializarse, porque no volví a oír nada del asunto. En las adaptaciones iba a colaborar Suzanne Lloyd, nieta del actor y propietaria de sus derechos de imagen.
Aun así, las grandes productoras de películas o series de animación se inspiran a veces en los eternos payasos del cine mudo para reflejar la expresividad de sus personajes en escenas mudas. Es el caso, por ejemplo, de la película “Wall-e” (subtitulada en España “Batallón de limpieza”), una producción de Walt Disney y Pixar estrenada en 2008 y realizada casi íntegramente por ordenador. La trama, que mezcla comedia y ciencia ficción, sigue a un robot de la línea “Wall-e”, diseñada para limpiar la basura que cubre la Tierra después de ser devastada y abandonada por el ser humano en un futuro lejano. Según se publicó en la prensa, los creativos de Pixar veían las películas de Keaton, Chaplin y Lloyd todos los días, en una rutina que duró casi un año, para estudiar cómo se expresaban sin necesidad de mover los músculos de la cara. El director del filme, Andrew Staton, afirmó en este sentido que “el gran rostro de piedra de Keaton” les había inspirado para recrear a un personaje que nunca cambia de expresión y que se comunica más bien con el movimiento del cuerpo.
También el dibujante de cómics argentino Lucas Varela se inspiró en Keaton para los personajes de su historieta (no animada, pero sí dibujada) “El día más largo del futuro” (2016), una fantasía futurista muda. “He visto sus películas un montón de veces. Me fascina esa inexpresividad que tiene con las cosas que le pasan y, sobre todo, cómo mueve el cuerpo”, declaró a la prensa con motivo de la publicación del cómic.
&&&
Como decía más arriba, las series de animación que han rescatado a algunos de los grandes cómicos del cine estadounidense se han centrado en los payasos que hablaban. El fenómeno empezó a mediados de los años 60 del siglo pasado, cuando las productoras se dieron cuenta de que las series animadas de superhéroes parecían perder tirón, como ya había sucedido diez años antes con los cómics de superhéroes, cuyas ventas comenzaron a descender. El remedio, tanto para los cómics en los 50 como para las series en los 60, fue diversificar la oferta y apostar por las producciones basadas en las aventuras de algunos de los grandes cómicos de Hollywood. En los 50 empezaron a editarse cómics sobre ellos y en los 60, se realizaron varias series animadas. En solo tres años –1965, 1966 y 1967– se estrenaron tres que recreaban, respectivamente, las aventuras de “The Stooges” (“Los Tres Chiflados”), “Laurel y Hardy” (“El Gordo y el Flaco”), y “Abbott y Costello”. En 1970 apareció otra sobre Jerry Lewis. A todas ellas hay que sumar la realizada sobre Cantinflas en México a partir de 1972, que, adaptada a la idiosincrasia “yankee”, desembarcó en los EEUU en 1982. Respecto a los cómics, se hicieron producciones basadas en los personajes de Bob Hope, Dean Martin y Jerry Lewis, Jerry Lewis en solitario y, unos años después, Woody Allen. Veámoslo.
“Los Tres Chiflados”
“The Three Stooges” (“Los Tres Chiflados”) fue un grupo cómico estadounidense que estuvo activo entre 1922 y 1971, primero en las tablas y luego en el cine. Los dos primeros chiflados fueron Moe Howard, Larry Fine, mientras que el tercero estuvo interpretado sucesivamente por Shemp Howard, Curly Howard, Joe Besser y Joe DeRita, aunque el público recuerda especialmente a Curly Howard.
Protagonizaron 140 cortos de unos 16 minutos para la Columbia Pictures entre 1934 y 1958, los cuales pasaron luego a la televisión, haciendo famosos a sus protagonistas entre las generaciones posteriores a la II Guerra Mundial. Prueba de esta superviviencia de su popularidad es que en 2012 los hermanos Farrelly dirigieron una película sobre ellos protagonizada por Chris Diamantopoulos, Sean Hayes y Will Sasso.
En 1965, Cambria Studios produjo la serie de animación “The New Three Stooges” (“Los Nuevos Tres Chiflados”) que se emitió en la televisión estadounidense durante la temporada 1965-1966. Fueron 156 episodios que mezclaban otros tantos cortos de dibujos animados con 40 secuencias de acción real. Estas abrían y cerraban los cortos animados, de modo que un solo segmento de acción real acompañaba a cuatro dibujos animados distintos. El elenco estaba formado por Moe Howard, Larry Fine y Joe DeRita, que protagonizaban las secuencias de acción real y ponían las voces a sus personajes dibujados. La serie fue creada por Norman Maurer –yerno de Moe Howard y agente cinematográfico del trío durante esos años– y Dick Brown, y dirigida por Edward Bernds. Los animadores fueron Kay Wright, Bob Maxfield y Chic Otterstrom.
En 1977 se estrenó una nueva serie basada en los “Tres Chiflados” y titulada “The Robonic Stooges” (“Los Chiflados robóticos”). Presentaba al trío en nuevos roles como torpes superhéroes “cyborg” que luchaban contra el crimen. Fue desarrollada otra vez por Norman Maurer y producida por Hanna-Barbera. Se emitió por la CBS entre el 10 de septiembre de 1977 y el 18 de marzo de 1978.
Dado que todos los tres chiflados originales habían muerto ya, se usaron otros actores de voz para personificarlos, en su mayoría veteranos de otras producciones de Hanna-Barbera. Paul Winchell puso la voz de Moe, Joe Baker a Larry y Frank Welker a Curly.
Los Chiflados habían aparecido previamente en otra serie creada por Hanna Barbera: “The New Scooby-Doo Movies” (1972), esta vez como Moe, Larry y Curly Joe. “Scooby-Doo” fue, sin duda, la serie más famosa de Hanna-Barbera.
“Laurel y Hardy”
“Laurel y Hardy” (“El Gordo y el Flaco”) es, probablemente, el dúo cómico más perfecto de la historia. Estaba formado por el británico Stan Laurel y el estadounidense Oliver Hardy, que se iniciaron en el cine mudo en los años 20. Laurel era el genio creativo de los dos, el que pensaba los gags y la puesta en escena. Tras pasar con éxito al sonoro, prolongaron su carrera hasta mediados del siglo XX. Filmaron juntos más de cien películas y casi 300 cortos.
El dúo dio lugar en 1966 a una serie animada de televisión titulada “Laurel and Hardy” y producida por Hanna-Barbera y Larry Harmon, quien caracterizó por más de 50 años al payaso Bozo, muy popular en los EEUU, y que había adquirido los derechos de imagen de la pareja. Emitida originariamente por la NBC hasta 1967, se componía de 156 cortos de 5 minutos. Estuvo en el aire solo una temporada. Dado que el Gordo y el Flaco ya habían fallecido en el momento de lanzarse la serie, el propio Larry Harmon y Jim MacGeorge pusieron las voces a los personajes.
Las versiones animadas de Laurel y Hardy también aparecieron en 1972 en un episodio de “The New Scooby-Doo Movies” (“Las nuevas películas de Scooby-Doo”), con Harmon poniendo la voz de los dos personajes.
“Abbott y Costello”
“Abbott y Costello” fue un dúo cómico estadounidense compuesto por Bud Abbott y Lou Costello. Hicieron 36 películas entre 1940 y 1956, además de triunfar también en el teatro, la radio y la televisión. Formaron el equipo cómico más popular en EEUU durante los años 40.
“The Abbott and Costello Cartoon Show” fue una serie animada estadounidense de media hora protagonizada por el famoso dúo que se emitió desde el 9 de septiembre de 1967 hasta el 1 de junio de 1968. La serie fue sindicada por Gold Key Entertainment y King World Productions. Las caricaturas fueron creadas conjuntamente por Hanna-Barbera, RKO General y Jomar Productions. Cada uno de los 39 episodios, que aprovechaban los chistes típicos de la pareja, estaba compuesto por cuatro cortos independientes de cinco minutos. Abbott aportó la voz de su propio personaje, pero Costello había muerto en 1959, por lo que su dibujo fue interpretado por Stan Irwin.
Jerry Lewis
Jerry Lewis desarrolló una exitosa carrera en la comedia cinematográfica como director y actor durante los años 60 y 70, con títulos como “The bellboy” (“El botones”, 1960), “The nutty profesor” (“El profesor chiflado”, 1963) o “Which way to the front?” (“¿Dónde está el frente?”, 1970). Pero antes ya había alcanzado la fama como miembro de un dúo cómico con Dean Martin. Con él rodó 16 películas entre 1949 y 1966, con títulos memorables como “My friend Irma” (“Mi amiga Irma”, 1949, de George Marshall), “Artists and models” (“Cómicos en París”, 1955, de Frank Tashlin) o “Hollywood or Bust” (“Loco por Anita”, 1956, de Frank Tashlin).
En 1970 se estrenó en la televisión estadounidense la serie de dibujos animados “Will the Real Jerry Lewis Please Sit Down?” (“¿Se sentará, por favor, el verdadero Jerry Lewis?”), protagonizada por el cómico y basada en personajes de su película de 1965 “The Family Jewels” (“Las Joyas de la familia”). El título era una variante de la pregunta decisiva del famoso concurso de la televisión estadounidense “To Tell the Truht” (“Decir la verdad”): “¿Se pondrá de pie, por favor, el verdadero…?”. Producida por Filmation, la serie estaba compuesta por 18 episodios y fue emitida durante dos temporadas, desde el 12 de septiembre de 1970 al 2 de septiembre de 1972. Sus creadores fueron Lou Scheimer y Norm Prescott, y el director, Hal Sutherland. Aunque Lewis contribuyó a algunos de los guiones, no puso voz a su personaje, que fue interpretado por David Lander.
La versión animada de Lewis era similar a su interpretación en el cómic “The Adventures of Jerry Lewis”) (“Las aventuras de Jerry Lewis”), editado por DC Comics en los EEUU entre 1957 e 1971. La publicación tomó el relevo de “The Adventures of Dean Martin Jerry Lewis”, lanzado por la misma editora entre 1952 y 1957 (en 40 números), cuando se rompió el famoso dúo. Del cómic exclusivo de Lewis se publicaron los números 41-124. Los escritores de las historietas eran Arnold Drake y Cal Howard, y los dibujantes, Bob Oksner y Neal Adams.
Bob Hope
Por aquella época, DC Comics publicó también “The Adventures of Bob Hope” (“Las aventuras de Bob Hope”), otra historieta que tenía por protagonista al famoso comediante nacido en Inglaterra, que desarrolló una exitosa carrera artística en los EEUU durante 60 años, en teatro, radio, cine y televisión. Recibió dos Oscars honoríficos, en 1945 y 1953, y presentó la ceremonia de estos premios 19 veces. Durante algunos años formó pareja artística con Bing Crosby.
El cómic de Bob Hope vio la luz desde 1950 hasta 1968, en 109 números. Los primeros cuatro presentaban fotografías de Hope en la portada; las portadas posteriores fueron ilustradas. Owen Fitzgerald fue el artista original de la serie, pero la mayoría de las ilustraciones fueron obra de Bob Oksner, quien sería reemplazado en los últimos cuatro números por Neal Adams.
La mayoría de los guiones fueron escritos por Arnold Drake, aunque de los primeros se encargó Cal Howard.
Woody Allen
Otro famoso cómico estadounidense que tuvo su propio cómic fue Woody Allen. Stuart Hample dibujó una tira sobre él titulada “Inside Woody” (“Dentro de Woody Allen), que se publicó diariamente en la prensa de los EEUU desde el 4 de octubre de 1976 hasta el 8 de abril de 1984. El primer año utilizó el pseudónimo de Joe Marthen.
La tira se basó en el personaje cómico de Allen y se centró en sus neurosis, angustia, frustración sexual y frecuente tratamiento psiquiátrico. Entre los escritores de la tira se encontraba David Weinberger.
En 1978 se publicó una colección de algunas de las historietas con el título de “Non-Being and Somethingness: Selections from the Comic Strip Inside Woody Allen” (“El no ser y el algo: selecciones de la tira cómica ‘Dentro de Woody Allen”). Otro volumen, “Dread and Superficiality: Woody Allen as Comic Strip” (“Miedo y superficialidad: Woody Allen como tira cómica”), vio la luz en 2009.
En España, Tusquets publicó entre 1980 y 1982 cuatro libros con una recopilación de las tiras, titulados “Woody Allen. Un libro de humor”, y en 2012, el volumen antológico “Ponte en lo peor”, con más de trescientas tiras organizadas por temas y reproducidas en sus pruebas de imprenta originales.
Pero Allen dio también lugar en 2017 a un cortometraje de animación en España, “Woody & Woody”, dirigido por Jaume Carrió con guion de Laura Gost a partir de una obra de microteatro de esta. La película, que dura 12 minutos y ganó el Premio Goya al mejor corto animado, narra el encuentro en un bar de un Woody Allen octogenario con su alter ego de 40 años. Ambos charlan sobre las cuestiones recurrentes en la obra del cómico: la muerte, la religión, el sexo... El corto contó con la inestimable colaboración de Joan Pera, el doblador habitual de Woody Allen en español.
Groucho Marx
Otro famoso cómico que ha tenido su propio cómic, pero en este caso editado en España y no en los EEUU, es Groucho Marx. Hablo de la serie “Grouñidos en el desierto”, publicada en la revista “El Jueves” a partir de 1979 con periodicidad semanal. La historieta ocupa una página a blanco y negro de nueve viñetas y cuenta las historias de Julius, un sosias de Groucho sorprendente, alternativo, simpático y ocurrente.
Sus creadores fueron el guionista Miguel Ángel Nieto y el dibujante Enrique Ventura. Tras la prematura muerte de Nieto en 1995, Ventura siguió la serie en solitario hasta su propio fallecimiento en marzo de este año. De 2013 a 2016 el guionista fue el bisnieto de Ventura, Ion Arretxe, desaparecido también prematuramente en 2017.
Cantinflas
Pero volvamos a los dibujos animados. He dejado para el final a Mario Moreno, Cantinflas, el genial cómico mexicano que también tuvo su propia serie de animación, “Cantinflas Show”. Producida por Televisa, fue creada por el mismo Cantinflas y realizada por el animador español José Luis Moro, creador en su país de la popular “Familia Telerín”.
La serie se emitió entre 1972 y 1982, y se componía de 52 episodios de cinco a siete minutos. En ellos, Cantinflas viaja por el mundo y el tiempo, encontrándose con personajes históricos, tanto reales como míticos, como Sansón y Dalila, Fausto, Albert Einstein o Thomas Alva Edison. Su objetivo era educar y entretener al público infantil con temas como la mitología, la historia y la ciencia.
Oficialmente, la voz del personaje titular fue realizada por el mismo Mario Moreno. Sin embargo, el comediante e imitador Flavio (Flavio Ramírez Farfán) ha afirmado que fue él quien la puso en realidad.
En 1982, Hanna-Barbera adaptó la serie y la renombró “Amigo and Friends” (“Cantinflas y sus amigos” en Hispanoamérica). El personaje Amigo está basado en Cantinflas, que le puso la voz en español, mientras que en inglés lo hizo Don Messick.
La serie, que se emitió hasta 1984, tenía la misma intención didáctica que la anterior. Cantinflas sigue sus aventuras educativas a través del tiempo y el espacio y llega a visitar a Shakespeare, a ver las pirámides de Egipto e incluso a viajar a otros planetas.
"El Gordo y el Flaco"
Dean Martin y Jerry Lewis
Woody Allen
Groucho Marx
Cantinflas
From Laurel and Hardy to Cantinflas: Great Comedians of the Cinema in Animated Cartoons
By Félix Caballero
Buster Keaton once said that animated cartoons had put an end to silent film comedians like him. And he wasn't wrong. Few, like Stan Laurel and Oliver Hardy (the Fat and the Thin), managed to make the transition to sound films and survive rivals as formidable as Mickey Mouse. However, animated cartoons also came to prolong the popularity of some of the great comedians of cinema—not so much from the silent era, but from the sound era.
The fact that animation largely bypassed silent comedians in favor of recreating speaking ones makes sense, as the essence of cartoons was the same as that of silent film shorts: slapstick comedy, characterized by exaggerated acts of physical violence that do not result in real pain or consequences, such as slaps, punches, pies in the face, or frying pan smacks. In animation, since its characters are clearly fictitious, rather than performed by real people, slapstick can be exaggerated much more, as no one will question that the victims will walk away unharmed. Therefore, animating Chaplin or Keaton wouldn't make much sense: it was better to create a new character "ad hoc."
Chaplin, Keaton, and Lloyd
Surprisingly (or not, based on what I’ve just said), the first animated series about Charles Chaplin (or, more precisely, about "Charlot") dates from 2011, and it’s not a conventional animated fiction, but a 3D one. This is “Chaplin & Co.”, a Franco-Indian animation with 104 seven-minute episodes produced by Method Animation, Mk2, and DQ Entertainment. It premiered in France on the France channel on December 31, 2011, and was later purchased by over 62 countries for broadcast. Without any dialogue, the episodes are based on situations from 70 of Chaplin’s films. The goal was for new generations to discover the comedic genius of this iconic figure.
As for Keaton and Lloyd, I’m unaware of any animated productions about them, although in 2017, Cinesite Studios announced a partnership with the Harold Lloyd Estate and Aniventure Limited to adapt his films into a series of animated feature films. However, I fear that the project never materialized, as I never heard anything more about it. Suzanne Lloyd, the actor's granddaughter and holder of his image rights, was expected to collaborate on the adaptations.
Even so, major animation studios sometimes draw inspiration from the silent film clowns to convey the expressiveness of their characters in silent scenes. For example, in the 2008 film Wall-E (titled Batallón de limpieza in Spain), produced by Walt Disney and Pixar and almost entirely created using CGI, the story mixes comedy and science fiction. It follows a robot from the "Wall-E" series, designed to clean the trash that covers the Earth after humanity has abandoned it in a distant future. According to reports, Pixar's creatives watched Keaton, Chaplin, and Lloyd’s films every day for nearly a year to study how they expressed emotions without moving their facial muscles. The director of the film, Andrew Stanton, stated that "Keaton’s great stone face" inspired them to create a character who never changes expression and communicates instead through body movement.
Argentine cartoonist Lucas Varela also drew inspiration from Keaton for the characters in his comic El día más largo del futuro (2016), a silent futuristic fantasy. "I’ve watched his films countless times. I’m fascinated by the expressionlessness he maintains, even with all the crazy things that happen to him, and above all, how he moves his body," he said in an interview about the comic’s release.
From Silent Film Clowns to Animated Series
As mentioned earlier, animated series that have revived some of Hollywood's great comedians have mostly focused on talking clowns. This phenomenon began in the mid-1960s when production companies realized that superhero animated series were starting to lose popularity, much as comic book sales had begun to decline a decade earlier. The remedy for both comics in the 1950s and animated series in the 1960s was to diversify the content and focus on productions based on the adventures of some of the great Hollywood comedians. In the 1950s, comics about these figures began to be published, and in the 1960s, several animated series were created. In just three years—1965, 1966, and 1967—three series premiered, respectively recreating the adventures of The Stooges (The Three Stooges), Laurel and Hardy (The Fat and the Thin), and Abbott and Costello. In 1970, another series about Jerry Lewis was released. To these we must add the animated series about Cantinflas in Mexico, which began in 1972 and later aired in the United States in 1982, adapted to the "American" context. Regarding comics, there were also productions based on characters like Bob Hope, Dean Martin, Jerry Lewis, and later Woody Allen. Let’s take a closer look.
The Three Stooges
The Three Stooges was a U.S. comedy troupe that was active from 1922 to 1971, first on stage and later in film. The two original stooges were Moe Howard and Larry Fine, while the third role was played successively by Shemp Howard, Curly Howard, Joe Besser, and Joe DeRita, although the public particularly remembers Curly Howard.
They starred in 140 short films of about 16 minutes each for Columbia Pictures from 1934 to 1958, which were later broadcast on television, making their stars famous among generations that came after World War II. Proof of the lasting popularity of the trio is that in 2012, the Farrelly Brothers directed a film about them, starring Chris Diamantopoulos, Sean Hayes, and Will Sasso.
In 1965, Cambria Studios produced the animated series The New Three Stooges that aired in the U.S. during the 1965-1966 season. It consisted of 156 episodes, which mixed animated shorts with 40 live-action sequences. These live-action segments served as bookends for the animated cartoons, so one live-action segment would open and close four different animated cartoons. The cast included Moe Howard, Larry Fine, and Joe DeRita, who starred in the live-action segments and also provided voices for their animated counterparts. The series was created by Norman Maurer—Moe Howard’s son-in-law and agent during those years—and Dick Brown, and was directed by Edward Bernds. The animators were Kay Wright, Bob Maxfield, and Chic Otterstrom.
In 1977, a new series called The Robonic Stooges premiered, in which the trio appeared as clumsy "cyborg" superheroes battling crime. This series, again developed by Norman Maurer, was produced by Hanna-Barbera and aired on CBS from September 10, 1977, to March 18, 1978.
Since all the original Stooges had already passed away by then, other voice actors were used to portray them, many of whom were veterans of Hanna-Barbera productions. Paul Winchell voiced Moe, Joe Baker voiced Larry, and Frank Welker voiced Curly.
The Stooges had also previously appeared in another series by Hanna-Barbera: The New Scooby-Doo Movies (1972), this time as Moe, Larry, and Curly Joe. Scooby-Doo was, of course, Hanna-Barbera's most famous series.
-
Laurel and Hardy
Laurel and Hardy ("The Fat and the Thin") is probably the most perfect comedic duo in history. It consisted of British actor Stan Laurel and American actor Oliver Hardy, who started in silent films in the 1920s. Laurel was the creative genius of the two, the one who came up with the gags and the staging. After successfully transitioning to sound films, they continued their career well into the mid-20th century. Together, they made over 100 films and nearly 300 shorts.
In 1966, the duo was turned into an animated television series titled Laurel and Hardy, produced by Hanna-Barbera and Larry Harmon, who had portrayed the popular clown Bozo in the U.S. for over 50 years and had acquired the image rights of the pair. Originally aired on NBC until 1967, the series consisted of 156 five-minute shorts. It lasted only one season. Since both Laurel and Hardy had already passed away by the time the series was launched, Larry Harmon himself and Jim MacGeorge voiced the characters.
Animated versions of Laurel and Hardy also appeared in 1972 in an episode of The New Scooby-Doo Movies ("Las nuevas películas de Scooby-Doo"), with Harmon voicing both characters.
Abbott and Costello
Abbott and Costello was an American comedy duo consisting of Bud Abbott and Lou Costello. They made 36 films between 1940 and 1956, in addition to achieving success on stage, radio, and television. They became the most popular comedy team in the U.S. during the 1940s.
The Abbott and Costello Cartoon Show was an American animated series that aired from September 9, 1967, to June 1, 1968. The series, syndicated by Gold Key Entertainment and King World Productions, consisted of 39 episodes. Each episode featured four independent five-minute shorts, utilizing the duo’s typical jokes. Abbott voiced his own character, but since Costello had died in 1959, his animated character was voiced by Stan Irwin.
Jerry Lewis
Jerry Lewis developed a successful career in comedy as both a director and actor during the 1960s and 1970s, with films like The Bellboy (1960), The Nutty Professor (1963), and Which Way to the Front? (1970). However, he had already achieved fame as part of a comedy duo with Dean Martin. Together, they made 16 films between 1949 and 1966, including memorable titles like My Friend Irma (1949), Artists and Models (1955), and Hollywood or Bust (1956).
In 1970, the animated series Will the Real Jerry Lewis Please Sit Down? premiered in the U.S., based on characters from his 1965 film The Family Jewels (Las joyas de la familia). The title was a variation of the famous question from the American TV show To Tell the Truth: “Will the real ... please stand up?” Produced by Filmation, the series consisted of 18 episodes and aired over two seasons, from September 12, 1970, to September 2, 1972. The creators were Lou Scheimer and Norm Prescott, and the director was Hal Sutherland. Although Jerry Lewis contributed to some of the scripts, he did not voice his character, which was instead voiced by David Lander.
The animated version of Lewis was similar to his portrayal in the comic The Adventures of Jerry Lewis, published by DC Comics in the U.S. from 1957 to 1971. The comic followed after The Adventures of Dean Martin and Jerry Lewis (1952–1957), which was canceled when the famous duo broke up. Lewis’s comic book ran from issues 41 to 124. The writers included Arnold Drake and Cal Howard, with artists Bob Oksner and Neal Adams.
Bob Hope
During this period, DC Comics also published The Adventures of Bob Hope, another comic starring the famous British-born comedian who achieved a long and successful career in the U.S. across theater, radio, film, and television. Hope won two honorary Oscars, in 1945 and 1953, and hosted the Academy Awards ceremony 19 times. For a number of years, he formed an artistic partnership with Bing Crosby.
The Bob Hope comic series was published from 1950 to 1968, across 109 issues. The first four issues featured photographs of Hope on the cover, while the subsequent issues were illustrated. Owen Fitzgerald was the original artist of the series, but most of the illustrations were done by Bob Oksner, who was later replaced by Neal Adams in the final four issues.
Most of the scripts were written by Arnold Drake, though Cal Howard wrote the early issues.
Woody Allen
Another famous U.S. comedian to have his own comic was Woody Allen. Stuart Hample drew a daily strip about him titled Inside Woody ("Dentro de Woody Allen"), which ran in U.S. newspapers from October 4, 1976, to April 8, 1984. For the first year, Hample used the pseudonym Joe Marthen.
The strip was based on Allen's comedic persona and focused on his neuroses, anxieties, sexual frustrations, and frequent psychiatric treatment. Among the writers of the strip was David Weinberger.
In 1978, a collection of some of the strips was published under the title Non-Being and Somethingness: Selections from the Comic Strip Inside Woody Allen ("El no ser y el algo: selecciones de la tira cómica ‘Dentro de Woody Allen’"). Another volume, Dread and Superficiality: Woody Allen as Comic Strip ("Miedo y superficialidad: Woody Allen como tira cómica"), was released in 2009.
In Spain, Tusquets published four volumes from 1980 to 1982, compiling the strips under the title Woody Allen. Un libro de humor. In 2012, an anthology called Ponte en lo peor was released, containing over three hundred strips organized by themes and printed from their original proofs.
Allen also inspired an animated short in Spain in 2017, titled Woody & Woody, directed by Jaume Carrió with a script by Laura Gost, based on a micro-theater piece by Gost. The 12-minute film won the Goya Award for Best Animated Short. It depicts an encounter between an elderly Woody Allen and his 40-year-old alter ego in a bar, where they discuss recurring themes in Allen's work, such as death, religion, and sex. The short featured the renowned voice actor Joan Pera, who often dubbed Allen's films in Spanish.
Groucho Marx
Another famous comedian who had his own comic, but this time published in Spain and not in the U.S., was Groucho Marx. I’m referring to the series Grouñidos en el desierto, which was published in the magazine El Jueves starting in 1979 with weekly installments. The comic took up a page with nine panels in black and white and followed the adventures of Julius, a Groucho-like character—surprising, alternative, charming, and witty.
The creators of the strip were writer Miguel Ángel Nieto and cartoonist Enrique Ventura. After Nieto’s untimely death in 1995, Ventura continued the series solo until his own passing in March of this year. From 2013 to 2016, the writer was Ventura's great-grandson, Ion Arretxe, who also tragically passed away in 2017.
Cantinflas
But let’s return to animated cartoons. I’ve left Mario Moreno, Cantinflas, the brilliant Mexican comedian, for last. Cantinflas also had his own animated series, Cantinflas Show. Produced by Televisa, it was created by Cantinflas himself and directed by Spanish animator José Luis Moro, who was the creator of the popular Familia Telerín in Spain.
The series aired between 1972 and 1982, consisting of 52 episodes of five to seven minutes each. In these episodes, Cantinflas traveled through time and space, meeting historical and mythical characters such as Samson and Delilah, Faust, Albert Einstein, and Thomas Edison. The series aimed to educate and entertain children with themes like mythology, history, and science.
Officially, the character's voice was performed by Mario Moreno himself. However, comedian and impersonator Flavio (Flavio Ramírez Farfán) has claimed that he was the one who actually voiced the character.
In 1982, Hanna-Barbera adapted the series and renamed it Amigo and Friends ("Cantinflas y sus amigos" in Latin America). The character of Amigo was based on Cantinflas, with Moreno voicing him in Spanish, while Don Messick voiced him in English.
The series, which aired until 1984, shared the same educational intent as the original. Cantinflas continues his educational adventures through time and space, visiting figures like Shakespeare, seeing the pyramids of Egypt, and even traveling to other planets.
(This text has been translated into English by Chat GPT)